Composición musical

La composición musical es un trabajo el cual se encarga de la creación de obras musicales, por lo tanto nos resulta útil, entender el concepto de obra musical.

Leo Treitler describe cómo a la música, al concepto de “obra” donde la notación musical opera como soporte excluyente. Dentro de esta mirada pareciera ser que lo que no está escrito en partitura no se puede estudiar y que la posibilidad de recreación de las músicas pertenecientes a un ámbito de producción, circulación y recepción popular-oral, queda supeditada a las posibilidades que ofrece este modelo.

Este concepto clásico romántico de la música constituye que el medio de transmisión por excelencia asociado a las obras musicales es el papel. Hay una versión original, la cual promueve la fantasía de estar más cerca de la voluntad del compositor, de la “verdad” en términos de intención y significado de la obra. Así, lo escrito se erige como reflejo exacto de la idea del autor y se confunde, por lo tanto, con la obra en sí. De esta forma, partitura pasa a ser sinónimo de obra.

La obra musical otorgó a la música una forma permanente; dejó de pensarse en la música como algo puramente evanescente, una actividad o experiencia que se desvanece en el pasado tan pronto como concluye. Porque mientras tienen lugar en el tiempo las interpretaciones de obras musicales, la obra como tal perdura. De este modo, la música se convierte en algo que podemos almacenar o acumular, una forma de lo que podría denominarse capital estético.

Sin embargo, hoy en día puede encontrarse una notable cantidad de registros discográficos que contienen interpretaciones de dichas producciones musicales, con diferentes criterios de abordaje según la pretensión en la reconstrucción histórica.

Después de todo, las producciones de la tradición escrita, frecuentemente asociadas con los compositores, las obras y la complejidad, siguen dependiendo fuertemente de la transmisión oral y en un conjunto de intuiciones interpretativas que mayoritariamente no está escrito. Por el contrario, el hecho de que una composición no exista en partitura pero esté viva en la mente de los ejecutantes no la descalifica como “obra” ni le quita complejidad.

Dicho esto, debemos considerar que los historiadores de la cultura oral enfrentan verdaderas dificultades, ya que existe muy poca evidencia de primera mano, sobre todo de épocas anteriores a la invención del fonógrafo. Esto produce un efecto en el cual las primeras grabaciones de música antigua son tomadas como documentos que representan un estado originario de ese repertorio, en lugar de una etapa particular en su evolución.

Historia de la composición musical

Alta Edad Media

Existieron tres tipos de producción musical.

Música popular

Juglares: artistas ambulantes que recorrían las aldeas, los pequeños mercados y las plazas públicas, montando espectáculos en los que combinaban música, actuación, malabares y otras destrezas. Con el tiempo se establecen en las ciudades y también integran los gremios de músicos municipales.

Su repertorio musical se compone de danzas y canciones de tradición oral; las cuales remiten a acontecimientos políticos o sociales, o desarrollan visiones sobre su presente.

Goliardos: se creen que son autos de cancioneros medievales que recopilan canciones dedicadas al vino, la comida y las mujeres, además de obras devocionales.Se denomina de esta manera a los estudiantes que abandonan los monasterios y escuelas, y se hacen vagabundos.

Los instrumentos que utilizaban esta clase de músicos son de pequeño formato, transportables y de escasa potencia sonora.

Musica eclesiástica

Compuesta por monjes de las iglesias el organum siempre había hecho uso de dos partes vocales, siendo la melodía del canto encomendada a una parte (la del tenor, literalmente, el que tiene), mientras que la otra parte se movía alrededor de ella (en general por encima), favoreciendo los intervalos de quinta, cuarta, octava y en unísono, todos ellos prescritos por Boecio. Se conservan ejemplos que provienen del gran centro de peregrinación de Compostela y de la abadía de San Marcial en Limoges, en el Camino de Santiago, documentándose aparentemente en los manuscritos de ambos (Cea. 1100-1160) prácticas de improvisación. (El propósito del empleo de la notación, hasta bien entrado el siglo XV; bien pudo ser el registro más que la prescripción, aunque los intérpretes modernos han tenido que entenderla en este último sentido.) La voz añadida podrá entonces continuar con el canto nota por nota, en un estilo que se conocía como discanto, o podía desarrollar una serie de adornos y florituras sobre cada nota, en un estilo para el que se empleaba el término polivalente organum.

En primer lugar, la notación abre una distinción entre compositores (que crean música que perdura) e intérpretes (que recrean la música para el momento). La notación mediante tetragrama incentivó una distribución más generalizada de los cantos litúrgicos y consiguió crear una cultura supranacional dentro de la cual los compositores podían viajar, a partir del siglo XIV, desde Inglaterra a Francia, o desde Francia y los Países Bajos (las modernas Bélgica y Holanda, con las regiones adyacentes) a Italia, encontrándose en cada lugar la misma música. De manera más inmediata, esta notación parece haber fomentado la composición musical, ya que las piezas musicales podían ahora comunicarse en papel, como si fueran obras literarias. Las melodías, a lo largo de la era de la composición de cantos litúrgicos que en Europa occidental estaba tocando a su fin en la época de Guido, podían aprenderse de sus cantantes. Pero no resultaba tan fácil memorizar una música que contuviera dos o más melodías distintas cantadas a la vez: la polifonía, cuyo desarrollo fue instigado de manera crucial por la notación.

Pero ¿qué seguimos oyendo de aquel tiempo? Uno de los éxitos discográficos de 1994 fue Las mejores obras del canto gregoriano. La selección se abría con Puer natus est nobis (Nos ha nacido un niño), una pieza que, aunque escrita como introito (saludo inicial) para su canto y escucha en iglesias monásticas en la misa del día de Navidad. Además, la melodía no estaba tomada de una fuente medieval, sino de una edición proveniente de la gran renovación del canto litúrgico liderada por la abadía de Solesmes, en el noroeste de Francia, a finales del siglo XIX y comienzos del XX. Del mismo modo, el estilo interpretativo. Puede parecer decepcionante que el canto gregoriano tal como lo escuchamos sea solamente tan viejo como el avión, o como mucho como el paraguas. Queremos más de él. Queremos que, por ser la música más antigua escrita en notación pautada, se mantenga en cabeza de una historia continua de mil años, en la que se han mantenido unos elementos, otros se han desarrollado y otros se han abandonado.

Música de la corte

Este tipo de música estaba realizado por los trovadores. Los primeros testimonios de su existencia son del siglo XI. Trobar está relacionado con tropare, componer, inventar. La mayor preocupación de todos ellos en lo musical se encuentra en el texto. Se cree que muchos eran poetas y que reservaban la musicalización de los textos a los ministriles, que los acompañaban en las ejecuciones. Estos eran juglares empleados de los trovadores como instrumentistas que residen en las cortes; son el grupo de mayor movilidad social, algunos pasaron a la historia como trovadores. Algunos paulatinamente se especializan como músicos instrumentistas de oficio y se convierten en músicos municipales agremiados con el desarrollo de las ciudades.

El tema central es el amor cortés, un amor en el cual se idealiza la figura de la mujer, a la que se le canta un amor devocional, no carnal. En términos musicales gran parte de esta producción es música contemplativa, en la cual se estilizan prácticas y procedimientos que provienen de las danzas populares y se las transforma fundamentalmente en los aspectos rítmicos, para desligarse de su función original. A partir de la música de los trovadores surgen una serie de formas poéticas que luego resultan en estructuras musicales que se denominan formas fijas, como la Ballade, el Rondó o el Virelai.

Baja Edad Media

Ars Antiqua

Organum de Notre Dame

El organum alcanzó su esplendor máximo en la catedral de Notre Dame. En el cual los compositores trabajaban el ritmo a partir de los seis modos rítmicos, cada uno de los cuales se componía de tiempos cortos, tiempos largos o ambos, a la manera de la métrica poética. A partir de estos modos, se podían construir las frases que en el caso de Notre Dame, las frases se concebían más frecuentemente en pares.

Son composiciones inmensas, que tardan como un cuarto de hora en ser cantadas de principio a fin, y su efecto debió de resultar asombroso en un mundo que no conocía nada parecido. Cabe destacar que la funcionalidad de esta música era destina para eventos eclesiásticos.

Motete francés

Ya se ha visto que las cláusulas en estilo de discanto eran elementos autónomos respecto del organum del cual formaban parte. Esta autonomı́a se transformaba en independencia si a todas las partes polifónicas se les aplicaba diferentes textos originales para cantarlos simultáneamente con el texto litúrgico del tenor. Los ritmos que realizaban las voces, estaban sujetos a los seis modos rítmicos.

Un cambio esencial en el signiicado y en la finalidad de la obra se determina cuando a la cláusula se le aplican no ya textos latinos religiosos, sino textos franceses profanos. Polifónico y politextual, el motete es el género emblemático de la música medieval y de su relación analógica con la poesı́a. En la mayorı́a de los casos los diferentes textos tratan asuntos conectados entre sı́: el conjunto de las distintas lı́neas musicales equivale entonces a una variedad concordante de la expresión verbal. Pero a veces la relación entre la politextualidad y polifonı́a es más hábil, más sutil.

Ars Nova

Motete isorrítmico

Compuestos en universidades, estos pierden todo sentido religioso y se convierte en una música de culto, es decir, solo para entendidos de esta.

Los procesos compositivos fueron de la utilización de modelos repetitivos en la voz del tenor con la misma pauta rítmica (talea) y el mismo patrón melódico (color), de ahí la denominación de isorrítmico (mismo ritmo) e isomélico (mismo perfil de la melodía). Estos dos recursos compositivos podían coincidir, también se podía componer una melodía en combinación con tres taleas.

Las voces superiores (duplum, triplum) suelen tener valores más cortos que las voces más graves (tenor y bassus). Se mantiene la politextualidad típica de la época precedente, en ocasiones también se emplearon combinaciones de varias lenguas (latín, francés, etc.).

Renacimiento

Motete renacentista

Lo que caracterizó principalmente al Renacimiento fue precisamente el respeto a la naturaleza tal como la percibe el ser humano. Las pinturas comenzaron a tener colores naturales, indicando volúmenes mediante el sombreado, con una escala de tamaños coherente y, por encima de todo, con perspectiva para que la imagen pareciera pertenecer al mundo real. Los arquitectos basanban sus diseños en figuras y proporciones simples que el ojo pudiera reconocer inmediata e intuitivamente, y que parecerían de esta forma naturales. Es irónico, que el motete renacentista regresa a sus orígenes sagrados.

Misa cíclica

La misa cíclica supone la composición de la totalidad del ordinario de la misa. de una sola vez, atendiendo a la coherencia de todo el ciclo a través de algún tipo de procedimiento de elaboración del material sonoro.

Todas las misas cíclicas parten de un material preexistente. Se distinguen por el tipo de material del que se parte y, sobre todo, por el procedimiento que se le aplica para generar variedad.

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